NÚCLEO 2 LA EXPRESIÓN BIDIMESNIONAL

EXPRESIÓN BIDIMENSIONAL 

La expresión plástica es una forma de comunicación visual que permite a los individuos expresar ideas, emociones y conceptos mediante el uso de diferentes técnicas artísticas y materiales. Esta forma de expresión se caracteriza por su capacidad de capturar y transmitir una gran variedad de significados a través de representaciones visuales, ya sea en dos o tres dimensiones. Desde tiempos remotos, las personas han utilizado la expresión plástica para reflejar sus percepciones del mundo, su identidad cultural, sus emociones y hasta sus creencias espirituales. En la actualidad, la expresión plástica sigue siendo una herramienta poderosa que se utiliza en campos como la educación, la psicología, la publicidad y, por supuesto, el arte.

Tipos de Presentación en la Expresión Plástica

En la expresión plástica existen varias maneras de presentar y comunicar el contenido visual, cada una con sus propias técnicas, materiales y características. Los principales tipos de presentación en la expresión plástica incluyen la pintura, el dibujo, la escultura y las instalaciones artísticas. Cada uno de estos métodos permite diferentes formas de exploración y ofrece distintos resultados visuales, abriendo un amplio abanico de posibilidades para los artistas.

1. Pintura

La pintura es quizás una de las formas más antiguas y reconocibles de la expresión plástica. Consiste en la aplicación de pigmentos en una superficie, como el lienzo, el papel o la madera, utilizando diversos tipos de herramientas, desde pinceles hasta los dedos. Existen varios estilos de pintura, como el realismo, el impresionismo, el surrealismo y el arte abstracto, cada uno de los cuales permite al artista transmitir sus ideas de una manera específica.

Dentro de la pintura, también se pueden clasificar distintos tipos de técnicas, como el óleo, la acuarela, el acrílico y la pintura al fresco, cada una con sus propias características y dificultades. Por ejemplo, la pintura al óleo es conocida por su profundidad de color y durabilidad, mientras que la acuarela permite un acabado más etéreo y fluido. La elección de la técnica depende de la intención del artista y del mensaje que desea transmitir.

2. Dibujo

El dibujo es una forma de expresión plástica que implica la creación de imágenes mediante la manipulación de líneas, puntos y sombras. Aunque es una técnica que comúnmente se asocia con el lápiz y el papel, también se puede realizar con otros materiales, como el carbón, la tinta y los pasteles. El dibujo es una técnica versátil que permite representar desde elementos altamente detallados hasta trazos abstractos y simplificados.

Existen distintas técnicas dentro del dibujo, como el esbozo, el dibujo a lápiz, el sombreado y el puntillismo. Cada una de estas técnicas permite un estilo particular de expresión. Por ejemplo, el esbozo permite capturar rápidamente una imagen o una idea, mientras que el puntillismo puede utilizarse para crear texturas y efectos visuales complejos.

3. Escultura

La escultura es una forma tridimensional de expresión plástica que implica la creación de formas y figuras a través de la manipulación de materiales como el mármol, la madera, el metal o el barro. A diferencia de la pintura y el dibujo, la escultura ocupa un espacio físico real, lo que le permite interactuar de manera directa con el entorno y el espectador. Los escultores pueden esculpir obras figurativas, abstractas o minimalistas, dependiendo de su intención artística.

Las técnicas de escultura incluyen el modelado, la talla, el ensamblaje y la fundición. Cada una de estas técnicas permite trabajar con distintos materiales y lograr efectos visuales específicos. Por ejemplo, la talla es una técnica que se utiliza comúnmente en la madera y el mármol, donde el escultor elimina partes del material para dar forma a la obra, mientras que el ensamblaje implica unir varios materiales para crear una estructura única.

4. Instalaciones Artísticas

Las instalaciones artísticas son una forma moderna de expresión plástica que generalmente se caracteriza por ser efímera y ocupar espacios específicos. Las instalaciones suelen combinar elementos visuales, sonoros, olfativos e incluso táctiles, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva. Esta forma de expresión permite a los artistas experimentar con múltiples disciplinas y medios, como la fotografía, el video, la luz y el sonido, para crear una atmósfera particular que invite a la reflexión.

Un ejemplo de instalación artística puede ser una habitación llena de espejos y luces, donde el espectador se convierte en parte de la obra. Las instalaciones desafían los límites del arte tradicional y buscan crear una interacción más directa y sensorial con el espectador, permitiendo una experiencia única que muchas veces es irrepetible.

La expresión plástica es un campo vasto y dinámico que permite una gran diversidad de formas de presentación, cada una con sus propias características y potencialidades. A través de la pintura, el dibujo, la escultura y las instalaciones artísticas, los artistas pueden explorar y comunicar ideas, emociones y conceptos complejos de una manera visual y tangible. Cada tipo de presentación en la expresión plástica ofrece una perspectiva única sobre cómo las personas ven y experimentan el mundo, convirtiéndose en un medio esencial para la comunicación, la identidad y la creatividad.

LA PINTURA  Y EL SOPORTE 

En el arte, el término pintura se refiere a la obra en sí, es decir, la imagen o representación visual creada mediante la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie. Esta aplicación puede realizarse con diferentes técnicas, como el óleo, la acuarela o el acrílico.

El soporte, en cambio, es el material o superficie sobre la cual se aplica la pintura. El soporte puede ser variado, desde lienzo, madera, papel, hasta murales, paredes o cualquier otra superficie que permita la adhesión del pigmento. El tipo de soporte puede influir en la textura, durabilidad y presentación final de la obra, y muchas veces el artista elige el soporte en función de la técnica y el efecto que desea lograr.

En resumen:

Pintura: La obra visual, el contenido y la aplicación de color.

Soporte: La superficie física donde se aplica la pintura.

La relación entre ambos es fundamental, ya que el soporte puede realzar o limitar ciertos aspectos de la pintura, y la elección correcta es clave para la expresión del artista.

 En pintura, los soportes son las superficies sobre las que se aplica el pigmento. Aquí tienes algunos de los más comunes:

1. Lienzo: Hecho de lino o algodón, tensado sobre un bastidor. Es el soporte más utilizado en la pintura al óleo y acrílico debido a su durabilidad y textura.

2. Papel: Muy popular en técnicas como la acuarela, la tinta, y el pastel. Puede variar en grosor, textura y tipo (prensado en frío o caliente).

3. Tabla de madera: Ideal para técnicas al óleo y temple. Los soportes de madera, como el panel de álamo o roble, se preparan con una capa de imprimación para evitar la absorción excesiva de pintura.

4. Cartón: Utilizado por su bajo costo y ligereza, aunque menos duradero. Se usa para bocetos, estudios y pinturas rápidas.

5. Pared (mural): Pinturas aplicadas directamente sobre superficies de pared, generalmente preparadas con una capa base para adherencia.

6. Metal: Usado principalmente en técnicas como el esmalte, aunque algunas técnicas al óleo y acrílicas también pueden aplicarse en metales como el cobre.

7. Tela: Similar al lienzo, pero puede incluir telas más finas o textiles con textura, a veces sin bastidor.

Cada soporte se elige según la técnica, la durabilidad deseada y el efecto final buscado.

Los pigmentos y diluyentes son elementos esenciales en la pintura, y su elección influye en la calidad, textura, color y durabilidad de una obra.

Pigmentos

Los pigmentos son materiales finamente molidos que proporcionan el color en una pintura. Estos pueden ser naturales o sintéticos:

1. Pigmentos Naturales: Proceden de fuentes minerales, vegetales o animales. Algunos de los más antiguos, como el ocre y el carbón, se han usado desde tiempos prehistóricos. Los minerales como el lapislázuli producen azules intensos, mientras que las tierras y óxidos dan tonos marrones y rojos.

2. Pigmentos Sintéticos: Con el avance de la química, se han creado pigmentos sintéticos que ofrecen una gama de colores más amplia y controlada. Estos pigmentos son más resistentes a la luz y tienen una mayor estabilidad que muchos naturales.

La elección de pigmento afecta no solo el color sino también la textura y la opacidad de la pintura. Por ejemplo, los pigmentos como el blanco de titanio son altamente opacos, mientras que otros, como el azul ultramar, pueden ser más transparentes. La durabilidad es otro aspecto clave: algunos pigmentos naturales pueden desvanecerse o cambiar de color con el tiempo, mientras que los sintéticos suelen ofrecer una mayor estabilidad.

Diluyentes

Los diluyentes son líquidos que se mezclan con la pintura para alterar su consistencia, tiempo de secado y acabado. Cada técnica tiene sus diluyentes específicos:

1. Agua: Se utiliza en técnicas de acuarela y en la pintura acrílica. Permite diluir la pintura y obtener transparencias. Además, el agua facilita el secado rápido, lo que es ideal para técnicas que requieren capas sucesivas.

2. Aceite de linaza: Es el diluyente principal en la pintura al óleo. Proporciona una textura fluida y retarda el secado, lo cual permite trabajar la pintura durante más tiempo. Otros aceites, como el de nuez o de amapola, se utilizan también, cada uno con características específicas en cuanto al brillo y tiempo de secado.

3. Trementina y Aguarrás: Se emplean en la pintura al óleo como disolventes, ayudando a reducir la viscosidad de la pintura y a crear veladuras. Ambos tienen un olor fuerte y se deben usar en espacios bien ventilados.

4. Medium Acrílico: En el caso de las pinturas acrílicas, los mediums o diluyentes acrílicos permiten modificar la consistencia sin afectar la adhesión del pigmento. Existen mediums específicos que permiten aumentar la transparencia, el brillo o la textura de la pintura.

Relación entre Pigmentos y Diluyentes

El tipo de diluyente afecta cómo el pigmento se deposita sobre el soporte, la luminosidad y el secado de la pintura. Un pigmento diluido en aceite puede producir colores profundos y ricos, mientras que uno mezclado con agua puede resultar en una apariencia más etérea y transparente. Además, el diluyente elegido afecta la duración y resistencia de la pintura. Los óleos tienden a ser más duraderos pero requieren tiempo de secado, mientras que los acrílicos ofrecen rapidez y versatilidad, aunque con menos tradición en cuanto a longevidad.

En conclusión, los pigmentos y diluyentes forman el núcleo de las técnicas pictóricas, y su combinación permite a los artistas experimentar con una amplia variedad de efectos y estilos. La elección adecuada, considerando las características de cada material, enriquece la obra y le da su carácter único.

Jaime Buhíjas, filósofo y autor contemporáneo, profundiza en el estudio de Pitágoras y su legado desde una perspectiva innovadora y mística. Buhíjas analiza el impacto que tuvo Pitágoras no solo en el ámbito matemático, sino en la filosofía, la espiritualidad y el conocimiento como un todo. Este ensayo explora los aspectos principales de la interpretación de Buhíjas sobre Pitágoras, destacando cómo ha buscado rescatar el valor filosófico y espiritual del pitagorismo en el mundo actual.

Pitágoras: Filosofía y Matemática

Pitágoras, conocido principalmente por el famoso teorema que lleva su nombre, fue mucho más que un matemático; para él, los números tenían un significado místico y simbólico. Jaime Buhíjas subraya esta dimensión y explora cómo Pitágoras percibía el universo como un entramado de relaciones numéricas que explicaban el orden cósmico. Según Buhíjas, Pitágoras no veía a los números como meras herramientas de cálculo, sino como principios estructurales del cosmos, donde cada número poseía un significado profundo.

Buhíjas expone que el pensamiento de Pitágoras estaba profundamente influido por la idea de la armonía universal, una noción que aplicaba tanto a la naturaleza como al alma humana. Para Pitágoras, y como interpreta Buhíjas, los números expresaban el equilibrio y la proporcionalidad presentes en todas las cosas, desde los cuerpos celestes hasta la conducta humana. Buhíjas remarca que esta perspectiva integradora, que vincula el pensamiento racional con la búsqueda espiritual, ha sido en gran medida perdida en la visión fragmentada y materialista de la ciencia moderna.

La Música de las Esferas: Un Universo Armónico

Una de las ideas más fascinantes de Pitágoras, y de las que Buhíjas profundiza, es la noción de la “música de las esferas”. Para Pitágoras, los planetas y las estrellas emitían sonidos al moverse, creando una especie de sinfonía cósmica que los humanos no podían percibir directamente, pero que influía en el orden del universo. Buhíjas describe cómo esta idea no era simplemente una metáfora poética; para Pitágoras y su escuela, reflejaba una verdad esencial: el cosmos es una obra de arte, una melodía eterna compuesta de vibraciones y proporciones matemáticas.

Buhíjas afirma que el concepto de la música de las esferas puede interpretarse como un recordatorio de que los seres humanos, al igual que los cuerpos celestes, forman parte de una sinfonía cósmica, y que al alinearse con este orden, pueden experimentar una vida en armonía. En esta visión, la ética pitagórica no era solo una cuestión de moralidad individual, sino de sintonización con las leyes universales. Buhíjas enfatiza cómo esta perspectiva puede ofrecer una alternativa a las divisiones entre ciencia y espiritualidad, mostrando que la matemática y la filosofía pueden conducirnos a una conexión más profunda con el universo.

El Pitagorismo Moderno: La Relevancia de Buhíjas

Jaime Buhíjas rescata a Pitágoras en el contexto moderno como un filósofo que anticipó muchas de las inquietudes espirituales contemporáneas. Para él, Pitágoras no es solo una figura histórica, sino un puente entre el conocimiento antiguo y las necesidades de sentido de la humanidad actual. Buhíjas argumenta que el pensamiento pitagórico puede ayudarnos a superar la fragmentación del saber en áreas separadas —científicas, filosóficas y espirituales— y a recuperar una visión de la realidad unificada y sagrada.En la obra de Buhíjas, Pitágoras se convierte en un símbolo de la reconciliación entre la razón y la intuición, entre el conocimiento empírico y la sabiduría espiritual. Buhíjas afirma que, al redescubrir la filosofía de Pitágoras, podemos encontrar una respuesta a los problemas de alienación y pérdida de propósito en la sociedad moderna, al comprender que la verdadera sabiduría consiste en vivir de acuerdo con el orden y la armonía de la naturaleza. La visión de Jaime Buhíjas sobre Pitágoras ofrece una perspectiva renovada sobre este pensador antiguo, recordándonos la relevancia de su enfoque integrador. Buhíjas nos invita a ver más allá del Pitágoras matemático y a valorar la dimensión espiritual de su pensamiento. Esta perspectiva sugiere que el conocimiento verdadero no es solo un proceso intelectual, sino una transformación interior que lleva al ser humano a alinearse con el universo. De esta forma, Buhíjas nos ayuda a ver a Pitágoras como un guía hacia una vida equilibrada y en armonía con el cosmos, y a encontrar en su filosofía un camino hacia la sabiduría en el mundo contemporáneo.

LA ENSEÑANZA DEL LENGUAJE VISUAL

La enseñanza del lenguaje visual en la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), en Argentina, es un proceso integral que busca desarrollar en los estudiantes las habilidades necesarias para comprender y crear significados a través de imágenes. En las carreras de arte, diseño, comunicación y arquitectura, esta enseñanza se convierte en un eje fundamental que permite a los estudiantes explorar las múltiples formas de expresión visual, a la vez que adquieren una comprensión profunda de los elementos y principios que conforman el lenguaje visual.

En la UNLP, el enfoque del lenguaje visual no se limita a la técnica, sino que incorpora la interpretación de los mensajes y los contextos en los que se producen. Los programas incluyen el estudio de la teoría del color, la composición, la perspectiva, la forma y la relación entre imagen y texto. Además, promueven una reflexión sobre el impacto cultural y social de las imágenes en la era de los medios digitales. Los estudiantes son guiados a comprender cómo las imágenes construyen y reflejan valores, ideologías y realidades, alentando un análisis crítico y una producción visual consciente.

Uno de los aspectos más destacados en esta formación es el equilibrio entre la teoría y la práctica. Los alumnos aprenden no solo a analizar obras visuales, sino también a crear sus propias piezas, desarrollando un lenguaje propio. Fomenta en sus estudiantes una sensibilidad hacia la imagen que integra la dimensión técnica, la capacidad expresiva y la conciencia social, preparando a los futuros profesionales para enfrentar los desafíos visuales del mundo contemporáneo.

´´En la tradición del lenguaje visual 

la tridimension  no entraba en la formacion ¨

Ejemplo:

Núcleo central

Lenguaje Visual

Ramas principales

- Percepción y Comprensión

    - Reconocimiento de formas y colores

    - Interpretación de símbolos y signos

    - Análisis de composición y estructura

- Expresión y Comunicación

    - Técnicas de dibujo y pintura

    - Diseño gráfico y visual

    - Fotografía y multimedia

- Contextualización y Aplicación

    - Historia del arte y cultura visual

    - Análisis de la publicidad y los medios

    - Proyectos visuales y colaborativos

Conexiones

- Desarrollo cognitivo y creativo

- Comunicación efectiva y expresión personal

- Pensamiento crítico y resolución de problemas

- Integración con otras disciplinas (literatura, historia, ciencias)